Sunday, October 19, 2008

Ongi etorria

En Français / En Español


Ongi etorri aurreiritzirik gabeko soinu esperientzietan parte hartu nahi duen sasimusikari oro.

Egitasmo honek ezohiko musika sorkuntzarako elkarlan gune bat eskaini nahi du.

- Inprobisaketa oinarrizko adierazpide eta sorbide bezala

- Teknika maila eskakizunik ez

- Adin mugarik ez

- Instrumentuak: Ideien eta soinuaren edozein bitarteko


Saiakerarik egin nahi izanez gero, idatzi ondorengo helbidera eta gure jardueren berri emango dizugu:


sasimusika@gmail.com


Zenbait erreferentzia:


Ekerot Trio - Behe Bidasoako beste aberrazio bat




Instrumentu inbentarioa:

- Casio MA-120 Electronic Keyboard
- Kainabera txirula txinatarra
- Txalaparta
- Metalofono soprano diatonikoa
- Melodika
- Pianoa
- Tenor saxofoia
- Kitarra klasikoa eta elektrikoa
- Ehizarako hegazti erakarleak: Usoa, mirua...
- Aire-serpentinak? (Matasuegras, Elhuyar Hiztegiak dixit)




Bienvenue

Euskaraz / En Español


Soit le bienvenue tout le pseudo-musicien qui veut partager des expériences sonores sans prétentions et sans préjugés.

Ce project pretend d´offrir un espace de collaboration pour la création de musique non conventionnelle.

- Improvisation comme élément basique d´expression et création

- Tous les niveaux de connaissance musicale

- Pour tous les âges

- Instruments: N´importe quel moyen entre les idées et le son


En cas d´interêt, veuillez contacter l´adresse suivante et nous vous informerons de nos activités:

sasimusika@gmail.com

Quelques références:


Liste des instruments:


- Casio MA-120 Electronic Keyboard
- Flûte chinoise de bambou
- Txalaparta
- Metalophone soprano diatonique
- Mélodica
- Saxophon Tenor
- Guitare classique
- Appeaux de chasse: Palombe, Milan...
- Langue de belle-mère

Bienvenida

Euskaraz / En Français


Sea bienvenido todo pseudomúsico que desee compartir experiencias sonoras sin prejuicios ni pretensiones.

Este proyecto pretende ofrecer un espacio de colaboración para la creación de músicas no convencionales.

- Improvisación como elemento básico de expresión y de creación

- Sin requisitos de nivel técnico

- Sin límites de edades

- Instrumentos: Cualquier medio entre ideas y sonido


Si la idea te atrae, pueder escribirnos a la siguiente dirección y te mantendremos informado sobre nuestras actividades:


sasimusika@gmail.com


Algunas referencias:


Ekerot Trio - Behe Bidasoako beste aberrazio bat



Inventario de instrumentos:

- Casio MA-120 Electronic Keyboard
- Flauta china de bambú
- Txalaparta
- Metalófono soprano diatónico
- Melódica
- Piano
- Saxofón tenor
- Guitarra clásica y eléctrica
- Reclamos de caza para aves: Paloma, milano...
- Matasuegras


Saturday, September 13, 2008

Búsqueda o contemplación de errores adecuados

Euskaraz / In English


Sasimusika no es algo novedoso ni original. Un artículo del músico inglés Eddie Prévost publicado en la revista Zehar de Arteleku describe un proyecto similar.


EDDIE PRÉVOST
Cometer todos los errores adecuados: los humores de Monk y la naturalidad de Cage

El autor analiza la estética de la improvisación a partir de las posturas de Cage y Monk, y añade una tercera vía en la que las cualidades y los potenciales del azar y de la experimentación pueden resultar creativos y permitir una improvisación colectiva libre.

El término “improvisación” tiene un sesgo de informalidad. Nos hace evocar lo inacabado o provisional. En la música clásica occidental (si es que se usa ese término), se piensa en la improvisación como un método de ayuda a la composición, en el que las cosas se prueban antes de formalizarse y darse por terminadas. E incluso cuando se espera de un músico que responda espontáneamente a la música escrita –digamos, en un solo–, observamos qué pronto desarrolla el intérprete una forma preferida y fija a la que se adhiere consecuentemente.

La mayor parte de la improvisación en el campo musical ha solido atribuirse a fuentes informales, aborígenes o no instruidas. La mente de conservatorio musical occidental siempre ha imaginado la improvisación –sobre todo peyorativamente– como algo primitivo. E incluso dentro de tradiciones y movimientos que utilizan y valoran algún tipo de método de improvisación digamos, por ejemplo, en la música clásica india o en el jazz– hay una tendencia a que la improvisación se convierta en un estilo o lenguaje, y refleje algún tipo de formato y método que pueda ser anticipado. El desarrollo estilístico de esas formas parece darse por medio de cambios sutiles, marginales, cuya procedencia se remonta a menudo a idiosincrasias musicales, e incluso a errores que se han colado en la música.

Las tradiciones orales son más tolerantes y se encuentran a gusto viviendo con esas irregularidades, algo así como cuando se transmite un mensaje de boca a oreja y se distorsiona en el proceso. A menudo, las desviaciones se convierten en rasgos especialmente apreciados. Excepto en el caso de las más robóticas, todas las expresiones musicales llevan el sello del músico. No hay dos músicos que toquen igual. El peso de la nota y el soplo del aliento son difíciles de controlar y cuantificar. No obstante, en la vida musical formal se da una tendencia a tratar de suprimir esas diferencias y crear un estándar de técnica interpretativa. ¿Qué ocurriría, entonces, si existiera una estética que considerase que operar dentro de los momentos de intencionalidad es un desafío creativo? Parece ser que el pianista de bebop Thelonius Monk abandonó una vez el escenario de mal humor. Estaba muy descontento con la música que acababa de tocar. Cuando le preguntaron por qué creía eso, respondió que había cometido todos los errores inadecuados.

"I made the wrong mistakes"

http://en.wikiquote.org/wiki/Thelonious_Monk

Esa observación nos conduce a un nudo filosófico claro, aunque apretado. Sugiere que, si existen errores inadecuados, ¡también existe la posibilidad de errores pertinentes! Monk –aunque no cabe duda de que su observación iba totalmente en serio– estaba jugando con las palabras. La observación sigue siendo fructífera, precisamente porque se basa en una contradicción aparente. No obstante, eso nos lleva al nudo central de la cuestión de la estética de la improvisación. Nadie (espero) iba a suponer que Monk entró en el campo musical sin la intención explícita de hacer música expresiva. Cualquier músico que trabaje en el dominio público tiene algún tipo de intención.

*A continuación un inciso en forma de video. En 1988 Clint Eastwood produjo un documental dirijido por Charlotte Zwerin sobre la vida del pianista. Se combinan actuaciones de Monk con sus grupos, entrevistas a amigos y material diverso recogido hacia 1980. El siguiente es el primero de los 5 fragmentos:



Links a los demás fragmentos:
1)http://www.dailymotion.com/video/x4omq5_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
2)http://www.dailymotion.com/video/x4omr9_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
3)http://www.dailymotion.com/video/x4omsq_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
4)http://www.dailymotion.com/video/x4p1t4_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
5)http://www.dailymotion.com/video/x4p1tt_thelonious-monk-straight-no-chaser_music



Y podría parecer que sólo efectuamos un ligero cambio de matiz lingüístico al desplazarnos desde el error intencionado de Monk hasta la idea de Cage de accidente controlado. Una de las cosas más importantes que perseguían los sistemas aleatorios y fortuitos de Cage era lograr que los músicos relajaran su relación con los materiales con que ejecutaban la música. Separar la expresión musical de cualquier narrativa coloca sin duda en un primer plano la conciencia del sonido, su peso y textura, en contraposición a sus resonancias emocionales. Eso puede tener efectos positivos para todos los músicos.

Sin embargo, existen diferencias sustanciales en los enfoques respectivos de John Cage y Thelonious Monk. En la música de Cage, la idea del accidente controlado coloca al músico en una posición neutra u objetiva. Cualquier música que resulte de ello no está concebida (ni debe estarlo) como expresión de la musicalidad personal. No obstante, la música sigue siendo resultado de un acto compositivo aun en el caso de que el músico sea cómplice voluntario de las instrucciones de Cage. Las decisiones extramusicales que exige el proceder de Cage alejan evidentemente al músico de cualquier aportación consciente a los sonidos resultantes. Si hemos de creer lo que se dice acerca de tales formas, la música existe fuera del control del músico. La música es de algún modo ella misma. Cage llegó a este tipo de ideas al iniciarse en el Libro de los Cambios taoísta, el I Ching, que tradicionalmente se vale de técnicas adivinatorias para encontrar respuestas a ciertas preguntas; es una especie de oráculo. Naturalmente, lo que está ausente para cualquier músico que siga las técnicas aleatorias de Cage es cualquier cuestión personal relativa a la naturaleza de la música con la que está comprometido. Solamente se sabe de su indeterminación e incertidumbre. El músico actúa como una especie de crisol en el que la música se formula, pero en relación a la cual –si se interpreta adecuadamente– el músico no debería tener ningún control intelectual o emocional ni expectativa alguna. El proyecto exige una sensación positiva de imparcialidad. Parece deducirse de ello que no puede haber ningún criterio –aparte de una neutralidad pasiva– para juzgar la música resultante. La música está, sin más. Y, si la personalidad de un músico se ha colado en la sensibilidad del oyente, entonces se considera que la música ha fracasado en su intención, que es centrar nuestros sentidos en sonidos inocentes. En el mejor de los casos, los procedimientos objetivos de Cage, junto con la aparente atemporalidad y ausencia de narrativa de la música, sugieren una poderosa y peculiar sensación de actualidad que no se encuentra en ninguna parte. Una especie de naturalismo abstracto.

En la música indeterminada de Cage no hay ningún sentido de lo inadecuado aparte de la intrusión de la personalidad de un músico. Comparemos esto con el caso de Thelonious Monk. La suya fue una de las voces más singulares del jazz. Aun así, se hace difícil negar que su música intentaba –en igual medida que la música de Cage– encontrar otros lugares. Ambos músicos tienen la capacidad de sorprender. Monk, sin embargo, proponía a la personalidad como vehículo para la música creativa tanto como recomendaba Cage deshacerse del ego del intérprete. Si algo hace el enfoque de Monk, es impulsar al músico a desarrollar su individualidad más aún de lo que el ya relajado canon del jazz pudiera recomendar. Podría sugerirse que la fuerza de la marca de Monk en su música para combo era tan fuerte como la filosofía del azar de Cage lo fue en la suya. Monk presionaba y machacaba las teclas del piano tanto como a sus compañeros músicos, y estaba, por así decir, buscando activamente errores –o nuevas soluciones– sobre los cuales construir nuevos mundos musicales. Cage, por otra parte, pide a los músicos que hagan cálculos convencionales y casi mecánicos como forma de construir un proyecto para una actuación a fin de eliminar cualquier atisbo de expresión personal; por ejemplo, en las Variaciones 1-6 y en el Concierto para Piano. En consecuencia, al alejar al músico de una intención musical específica, ese método aleja también el propio concepto de error.



Hay, sin embargo, otro modo en que las cualidades y resultados potenciales del azar y de los procedimientos experimentales pueden resultar creativos, así como permitir el desarrollo de una experiencia humana individual y colectiva: me refiero a la improvisación colectiva libre. Y al contrario de cualquier idealismo o autoritarismo que pudiera acompañar a las nociones de actividad colectiva, la realidad de trabajar con otros agudiza cualquier inestabilidad inherente y aumenta el desorden que acarrea el componer música. Buscar cosas nuevas, empujar a los instrumentos, empujar a los demás músicos (¡y dejar que te empujen a ti!) es un compromiso progresivo y nada neutral o intranscendente. Toda esa actividad va inevitablemente más allá de cualquier idea dominante de control. Pero al mismo tiempo coloca al músico en el centro de ese proceso mágico y humanizador llamado composición musical.

En el taller de improvisación de Londres que he estado realizando con carácter semanal durante casi cuatro años, hemos desarrollado procedimientos en los que no hay norma alguna respecto a lo que hay que hacer. Músicos de todas las edades, sexo, procedencias musicales, grupos étnicos y orígenes nacionales han venido a trabajar con los materiales disponibles: sus instrumentos, sus sensibilidades físicas, emocionales e intelectuales, el lugar y los demás músicos presentes. A nadie se le dan instrucciones ni órdenes, y las únicas recomendaciones son dejar de lado conceptos desarrollados previamente acerca de lo que constituye la música y, en ese proceso, centrarse en el instrumento o material que están usando de un modo nuevo. Los animo a que reevalúen sus respuestas al instrumento. Y, en consecuencia, a que cada vez que están haciendo música traten de hacer algo –por muy pequeño que sea– que no hayan hecho nunca: que se aparten de sus respuestas normales, habituales, y exploren ese entorno. Después les sugiero que usen sus propias investigaciones en un diálogo progresivo con el resto de los músicos con quienes están tocando. Que utilicen la presencia de otros como tabla de armonía y también como punto de resistencia para sentir la importancia de su propio compromiso con los materiales.

EDDIE PRÉVOST es percusionista y miembro fundador del grupo de improvisación AMM. Matchless imprint, Copula, publicó en 1995 su ensayo No Sound is Innocent. Vive en Londres.

Este texto también se ha publicado en Edwin Prévost Minute Particulars: meanings in music-making in the wake of hierarchial realignments and other essays, Copula, publicación de Matchless Recordings and Publishing, R.U., 2004.

Texto original:
http://arteleku.net/4.1/zehar/53/Prevostgazte.pdf


Akats egokien bila ala zain egon

En Español / In English


Sasimusika ez da ideia berritzailea ez originala. Artelekuko Zehar aldizkarian argitaratutako Eddie Prévost musikari ingelesaren ondorengo artikuluak antzerako egitasmo bat aurkezten du.

EDDIE PRÉVOST
Akats zuzenak egitea: Monken aldarteak eta Cageren naturaltasuna

Egileak inprobisazioaren estetika aztertzen du Cageren eta Monkeren jarreretatik abiatuta, eta hirugarren bide bat proposatzen du halabeharraren eta esperimentazioaren nolakotasunak eta ahalmenak kreatiboak izan daitezen eta taldean egindako inprobisazio librea bultzatzeko.

“Inprobisazio” hitzak badu informaltasun kutsu bat. Bukatu gabea edo inprobisatua dena dakarkigu burura. Mendebaldeko musika klasikoan (baldin eta termino hori erabiltzen bada), inprobisazioaz pentsatzen da
konposatzen laguntzeko metodoa den aldetik, zeinean gauzak probatu egiten baitira formalizatu eta bukatutzat jo baino lehen. Eta musikari batengandik espero izaten denean ere modu espontaneoz erantzun diezaiola musika idatziari –hala nola, solo batean–, konturatzen gara interpreteak zein azkar garatzen duen lehenesten duen forma finko bat, eta hari atxikitzen zaiola.

Musika esparruko inprobisazio gehien-gehiena iturri informal, aborigen edo eskolatu gabeei egotzi izan ohi zaie. Mendebaldeko musikak kontserbatorioko espirituak beti irudikatu izan du inprobisazioa –betiere kutsu gutxiesgarri batekin– gauza primitibo baten moduan. Eta are inprobisazio metodoren bat erabili eta aintzat hartzen duten tradizio eta mugimenduetan ere –esate baterako, Indiako musika klasikoan edo jazzean– badago joera bat inprobisazioa estilo edo lengoaia bilaka dadin eta aldez aurretik igar daitekeen formatu eta metodoren baten isla izan dadin. Forma horien garapen estilistikoa aldaketa sotil marjinalen bidez gertatzen da, antza, zeinen jatorria sarri askotan egoten baita idiosinkrasia musikaletan, baita musikan lerratu diren akatsetan ere.

Ahozko tradizioak toleranteagoak dira, eta gustura bizi dira irregulartasun horien artean, mezu bat ahotik belarrira igortzen denean gertatzen den distortsioaren antzeko horretan. Sarri askotan, desbideratze horiek ezaugarri oso gogoko bihurtzen dira. Adierazpide musikal guztiek, errobotikoenak diren kasuetan izan ezik, dute musikariaren marka. Ez daude berdin jotzen duten bi musikari. Notaren pisua eta hatsaren bizitasuna zailak dira kontrolatu eta kuantifikatzen. Hala ere, bizitza musikal formalean joera bat gertatzen da, desberdintasun horiek ezabatu eta teknika interpretatiboari dagokionez estandar bat sortzen saiatzeko joera, hain zuzen. Zer gertatuko litzateke, orduan, estetika bat balego intentzionalitatezko uneetan jardutea erronka kreatibo joko lukeena? Antza denez, Thelonious Monk bebop estiloko pianista umore txarrez irten zen halako batean eszenatokitik. Oso haserre zegoen bere buruarekin jo berri zuen musikarengatik. Galdetu ziotenean ea zergatik uste zuen hori, erantzun zuen akats oker guztiak egin zituela.

"I made the wrong mistakes"

http://en.wikiquote.org/wiki/Thelonious_Monk


Oharpen horrek korapilo filosofiko argi baina estu batera garamatza. Izan ere, iradoki nahi du akats okerrak baldin badaude, akats egokiak egiteko aukera ere badagoela! Monk –nahiz eta zalantzarik ez egon bere oharpen hartan ez zegoela txantxa izpirik– hitzekin jolasean ari zen. Oharpenak emankorra izaten jarraitzen du, hain zuzen ere itxurazko kontraesan batean oinarritzen delako. Alabaina, horrek inprobisazioaren estetikak duen arazoaren korapiloaren erdigunera garamatza. Ezin suposa zezakeen inork (espero dut) Monk musika alorrean sartu zenik musika adierazgarria egiteko asmo espliziturik gabe. Esparru publikoan diharduen edozein musikarik dauka beti asmoren bat.

*Jarraian artikuluari etenaldi bat txertaturiko bideo baten bidez. 1988an Charlotte Zwerin-ek pianojolearen bizitzari buruzko dokumental bat zuzendu zuen, Clint Eastwood-en produkziopean. Ondorengoa 5 pasarteetariko lehenengoa da:






Beste pasartetara linka:
1)http://www.dailymotion.com/video/x4omq5_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
2)http://www.dailymotion.com/video/x4omr9_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
3)http://www.dailymotion.com/video/x4omsq_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
4)http://www.dailymotion.com/video/x4p1t4_thelonious-monk-straight-no-chaser_music
5)http://www.dailymotion.com/video/x4p1tt_thelonious-monk-straight-no-chaser_music


Eta irudipena eman genezake hizkuntz ñabardura aldaketa xume bat besterik ez dugula egiten higitzen garenean Monken berariazko akatsetik Cageren istripu kontrolatuaren ideiaraino. Cageren sistema aleatorio eta ausazkoek bilatzen zuten gauza garrantzitsuenetako bat musikariek jotzeko erabiltzen zituzten materialekiko harremana lasaitzea zen. Adierazpide musikala edozein narratibatatik bereizteak lehen planoan ezartzen du, inondik ere, soinuaren kontzientzia, soinuaren pisu eta testura, eta ez haren oihartzun emozionalak. Horrek ondorio positiboak izan ditzake musikari guztientzat.

Hala ere, desberdintasun handiak daude John Cage eta Thelonious Monk ikusmoldeen artean. Cageren musikan, istripu kontrolatuaren ideiak posizio neutro edo objektibo batean jartzen du musikaria. Horretatik sortutako edozein musika ez dago (eta ez luke egon behar) pentsatuta musikaltasun pertsonalaren adierazpen moduan. Alabaina, musikak ekintza konposatzaile baten emaitza izaten jarraitzen du, baita musikaria Cageren argibideen konplize boluntarioa den kasuan ere. Cageren jardunak eskatzen dituen erabaki musikatik kanpokoek musikaria urrundu egiten dute, noski, ondoriozko soinuei egindako edozein ekarpen kontzientetik. Halako formei buruz esaten dena sinestekotan, musika musikariaren kontroletik kanpo existitzen da. Musika, nola edo hala, bera da. Cage ideia mota horretara iritsi zen Aldaketen Liburu taoistan sakontzen hasi zenean, I Ching delakoan, zeina tradizioz asmatze-teknikez baliatzen baita galdera jakin batzuen erantzunak bilatzeko: orakulu gisako bat da, egiatan. Jakina, Cageren teknika ausazkoak segitzen dituen edozein musikarirengan gauza bat falta da: konprometituta dagoen musikaren izaerari dagokion edozein auzi pertsonal. Haren zehaztu gabetasunaren eta segurtasunik ezaren berri ikasten da bakarrik. Musikariak arragoa moduan funtzionatzen du, zeinean musika formulatzen baita, baina musika horri dagokionez –behar den bezala interpretatzen baldin bada- musikariak ez luke izan behar inongo kontrol intelektual edo emozionalik, ezta itxaropenik ere. Inpartzialtasun sentipen positibo bat eskatzen du proiektuak. Horretatik ondoriozta liteke, antza, hortik sortzen den musika epaitzeko ezin egon daitekeela ezein irizpiderik, neutraltasun pasibo bat izan ezean. Musika hor dago, eta kito. Eta musikari baten nortasuna lerratu egin baldin bada entzulearen sentiberatasunean, orduan musikak huts egin duela pentsatzen da bere asmoa mamitzeko orduan, alegia, gure zentzumenak soinu tolesgabeetan zentratzeko orduan. Kasurik onenean ere, Cageren prozedura objektiboek, musikaren itxurazko atenporaltasun eta narratibarik ezarekin batera, inon aurkitzen ez den oraintasun sentipen sendo berezi bat iradokitzen dute. Naturalismo abstraktuaren antzeko zerbait.

Cageren musika zehaztu gabean ez dago inongo desegokitasun sentipenik, musikari baten nortasunaren sarkinkeriaz haratago. Erka dezagun hori Thelonious Monken kasuarekin. Jazzaren ahots berezienetako bat izan baitzen harena. Baina hala eta guztiz ere, nekez uka daiteke haren musika –Cageren musikaren neurri berean– beste leku batzuk bilatzen saiatzen zela. Bi musikariek daukate entzulea harritzeko gaitasuna. Monkek, ordea, nortasuna proposatzen zuen sormenezko musikarentzako bide gisa, Cagek interpretearen egotik libratzea gomendatzen zuen neurri berean. Monken ikuspuntuak, ezer egitekotan, bultzatu egiten du musikaria bere banakotasuna gara dezan jazzaren kanon jadanik lasaituak gomenda lezakeen puntutik haraindi. Iradoki liteke Monken markaren indarra talderako bere musikan Cageren ausazko filosofiarena bezain handia izan zela haren musikan. Monkek bultzatu eta kolpatu egiten zituen pianoaren teklak, baita taldekideak ere neurri berean, eta, nolabait esatearren, beti ari zen aktiboki akatsen –edo konponbide berrien– bila, haien gainean mundu musikal berriak eraiki ahal izateko. Cagek, bere aldetik, bere musikariei eskatzen die kalkulaketa konbentzional kasik mekanikoak egin ditzaten, kontzertu baterako proiektu bat eraikitzeko adierazpen pertsonal ñimiñoena ere ezabatzeko helburuarekin; esate baterako, 1-6 Bariazioetan eta Piano Kontzertuan. Horren ondorioz, musikaria asmo musikal zehatz batetik urruntzean, metodo horrek urrundu egiten du errore kontzeptua bera ere.



Baina zoriaren eta prozedura esperimentalen ezaugarri eta emaitza potentzialak beste era batean ere gerta daitezke sortzaile, baita bidea eman ere giza esperientzia banako zein kolektibo bat gara dadin, alegia, inprobisazio kolektibo librea. Eta jarduera kolektibozko nozioek ekar lezaketen edozein idealismo edo autoritarismoren kontrara, beste batzuekin lan egitearen errealitateak biziagotu egiten du datxekion edozein egongaiztasun, eta areagotu egiten du musika konposatzeak eragin ohi duen anabasa. Gauza berriak bilatzea, instrumentuak bultzatzea, baita beste musikariak ere (eta bultza zaitzaten utzi!) konpromiso progresibo bat da, inondik ere ez neutrala edo hutsala. Jarduera hori guztia edozein kontrol ideia nagusitik harago doa, halabeharrez. Baina aldi berean, musikaria jartzen du musika konposizio esaten zaion prozesu magiko humanizatzaile horren erdigunean.

Azken ia lau urteotan Londresen astero-astero egiten aritu naizen inprobisazio lantegian zenbait prozedura landu ditugu, inongo araurik gabeak zer egin behar denari dagokionez. Adin, sexu, musika jatorri, talde etniko eta jatorri nazional anitzetako musikariak etorri dira eskura zeuden materialekin lan egitera: beren instrumentuekin, beren sentiberatasun fisiko, emozional eta intelektualekin, leku horrekin eta bertan dauden beste musikariekin batera. Inori ez zaio ez argibiderik ez agindurik ematen, eta ematen diren gomendio bakarrak izaten dira alde batera uztea musikaren izaeraz aldez aurretik garatutako kontzeptuak, eta horretan ari direnez, era berri batean zentra daitezen erabiltzen ari diren instrumentuan edo materialean. Adore ematen diet berriro ebalua ditzaten instrumentuari ematen dizkioten erantzunak. Eta horren ildotik, musika egiten ari diren aldi bakoitzean saia daitezen inoiz egin ez duten zerbait, oso txikia izanda ere, egiten: urrundu egin daitezen beren erantzun arrunt ohizkoetatik eta ingurune hori araka dezaten. Ondoren iradokitzen diet beren ikerketa propioak egin ditzatela taldean, berekin batera jotzen ari diren musikariekin elkarrizketa progresibo baten bidez. Besteen presentzia erabil dezatela harmonia-taula moduan, baita erresistentzia-puntu gisa ere, materialekin duten konpromisoaren garrantzia sentitzeko.

EDDIE PRÉVOST perkusionista da, baita AMM inprobisazio taldearen kide fundatzailea ere. Matchless imprint, Copula-k, No Sound is Innocent haren entsegua argitaratu zuen 1995ean. Londresen bizi da.

Testu hau agertzen da halaber Edwin Prévosten Minute Particulars: meanings in music-making in the wake of hierarchial realignments and other essays testuan, Copula, Matchless Recordings and Publishing-en argitalpena, R.U., 2004.

Jatorrizko testua:
http://arteleku.net/4.1/zehar/53/Prevosteusk.pdf








Saturday, March 1, 2008

Ornette Coleman y la Armolodia

Euskaraz / En Francais

Sasimusika no es Música de verdad, por lo que puede entenderse -si así se quiere- sin normas melódicas, harmónicas o rítmicas. El Free-Jazz consistió en esta misma revolución, allá por la lejana década de los 50.

El Jazz ha sido identificado desde siempre como una música relacionada con la improvisación. Sin embargo, la música improvisada nació a la vez que los primeros sonidos de la humanidad, antes de que las primeras composiciones fueran ideadas. Cuando nuestros antepasados cavernícolas soplaron a través de la primera flauta de hueso, experimentaron una emoción inesperada. La emoción del sonido improvisado.

Efectuando una analogía lingüistica, la improvisación es una conversación, lo opuesto a la lectura en voz alta de un texto. Según algunos músicos de Jazz, la impovisación es una composición acelerada, o dicho de otra forma, la composición es una improvisación ralentizada. Exponer lo hecho al instante o esperar a la creación refinada mediante la inestimable ayuda del tiempo. He ahí la cuestión.

Desengañémonos, la espontaneidad no es un valor al alza en nuestro mundo altamente preprogramado, sino un subproducto de segunda categoría. La única disciplina que entre nosotros puede haber llegado a ser popular es el versolarismo. En cambio, en el mundo de la música el Jazz destaca como género improvisado. No resulta fácil dar con otros ejemplos. Al igual que la artesanía, la música improvisada produce piezas cambiantes e irrepetibles. Por desgracia, hace ya tiempo que la artesanía está inmersa en una profunda crisis.

Mientras los EE.UU. lanzaban la bomba atómica en Hiroshima, Charlie Parker y compañía dieron con el Bebop un cambio de rumbo decisívo para el futuro de la arriesgada vía emprendida por Louis Armstrong. Dirigieron el Jazz hacia los límites del Arte moderno. Desde el final de la II. Guerra Mundial hasta nuestros días, mientras la cultura popular y la industria experimentan un constante proceso de fusión, el Jazz sobrevive desarrollándose en un universo paralelo.

El segundo lustro de los 50 y el primero de los 60 supusieron los años más fértiles. Miles Davis, John Coltrane y Ornette Coleman entre otros, surjen como figuras indiscutibles que innovaron el legado del Bebop. Este último saxofonista fue precisamente la primera referencia del Free Jazz. La calidad de los videos de Youtube sobre Coleman no son muy buenas, pero la siguiente aparación en la TV se salva:



Ya en los inicios de su carrera, Coleman publicó el album "The Shape of Jazz To Come" -El aspecto del Jazz del provenir-. Aunque bien este título pudiera parecer chocantemente pendante para un chaval desconocido, el hecho acabó siendo profético. Este músico tejano fue el inventor del concepto músical llamado Armolodía. La riqueza armolódica consiste en una interacción especial entre músicos. Fugándose por los barrotes de la prisión que representan la rigidez métrica, las armonías convencionales y estructuras preconcebidas, los músicos armolódicos improvisan juntos, siempre atentos a las progresiones, direcciones y necesidades de sus compañeros. En este proceso la harmonía se convierte en melodía, y al mismo tiempo la melodía en harmonía. Ornette lo entiendo como una abolición del sistema de castas imperante en el sonido. En términos más generales, la armolodía es la libertad para ser uno mismo, a la vez que se escucha a los demás y coopera desarrolando la armonía propia.

http://www.ornettecoleman.com/then.html

Todo esto suena bastante complicado, pero en realidad no lo es, ya que ni el propio Ornette se ha aventurado nunca a presentar la formulación definitiva de la armolodía. Según rumores, Coleman ha querido publicar el libro llamado The Harmolodic Theory desde los 70, pero por motivos desconocidos no lo ha hecho. Algunos apuntan a una broma del propio Ornette, con la simple intención de reirse de los intelectualoides que no cesan de tratar de clasificar por fín su música.

http://forums.allaboutjazz.com/showthread.php?t=12600

En la práctica, como dice el siguiente artículo, la teoría armolódica funciona como un MacGuffin en las películas de Hicthcock: Si te enteras de que va, mejor para tí; pero si no, pues no pasa nada, porque eso no va a impedirte que te lo pases como un enano. Claro está, si es que no te parece todo puro ruido.

http://www.theatlantic.com/doc/198509/ornette-coleman/1
http://www.theatlantic.com/doc/198509/ornette-coleman/2


Para terminar, un extracto de una entrevista para el suplemento cultural Babelia del diario El País:

P. Ahora la profesión en pleno hace cola ante su puerta para tocar con usted, pero no todo el mundo está capacitado para interpretar su música.

R. Todo depende de cuan libre quiera ser. Si es capaz de deshacerse de sus miedos, trabajar en lo que cree y desarrollar sus propias ideas, venga a verme: a lo mejor soy yo el que quiero tocar con usted.

http://www.elpais.com/articulo/semana/musica/unico/arte/verdaderamente/democratico/elpepuculbab/20070707elpbabese_1/Tes


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Jean Dubuffet y el Art Brut

Euskaraz / En Francais

Tal como expresa la palabra inventanda, sasimusika no es música de verdad. Es pseudomúsica, música falsa. No está pensada para rivalizar con la Música escrita con M mayúscula, sino que busca el simple placer de la creación sonora. Hace ya tiempo que en el mundo de las artes plásticas se reivindican ideas semejantes:

Jean Dubuffet fue uno de los pintores y escultores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Entre 1942 y 1985 desarrolló una prolífica obra compuesta por lienzos, dibujos y esculturas. En sus etapas artísticas cultivó varios estilos diferentes; tales como la abstracción matérica, el dibujo infantil o el collage.

A lo largo de su carrera mostró una gran fascinación por la producción pictórica de los enfermos mentales, los presos y los niños. Este motivo hizo que su obra se desvinculara de los códigos burgueses y el intelectualismo. En sus reflexiones abogó con frecuencia por la valorización del arte primitivo, popular, infantil o amateur.

Soy un pintor dominguero, para quien todos los días de la semana son domingo.



Dubuffet fue el más destacado precursor del movimiento llamado Art Brut. Esta categoría engloba a artistas no profesionales que operan ajenos a la cultura artística y las normas estéticas preestablecidas.

El Arte Naïf, el Outsider Art y el Arte Popular comparten ciertos elementos comunes con el Art Brut.

El trío bidasoarra Ekerot Trio ha traducido un resumen del pensamiento de Dubuffet sobre la música:

Ekerot Trio -
Danok gara Jean Dubuffet

En efecto, el mundo de la música ejerció una gran atracción sobre el artista francés. En el siguiente link se recogen algunos de sus experimentos:

http://www.ubu.com/sound/dubuffet.html

Citas:


El Arte se dirige a nuestras mentes, y no a los ojos. Los pueblos primitivos siempre lo han entendido así, y en absoluto están equivocados. El Arte es lenguaje, instrumento de conocimiento, comunicación...

El mar borra lo escrito sobre la arena y no me importa. Cuando baje la marea, comenzaré de nuevo.

El lodo, la basura y la suciedad son parte de la vida de todo ser humano. No deberían ser tal vez más valorados y acaso no hago bien en advertir de la belleza que nos brindan?

El Arte es un departamento de aberraciones.

Obra:

La Fundación Dubuffet expone un catálogo resumido:
http://www.dubuffetfondation.com/oeuvre_set_ang.htm













Ejemplos de Art Brut:

El cartero arquitecto


El cartero francés del siglo XIX Ferdinand Cheval está considerado como uno de los más significativos representantes del Art Brut:




El taxista amante del nácar


Gran parte del trabajo artístico del conductor de taxis Paul Amar se compuso de conchas de todos los tipos:



























Una exposición de su trabajo:
http://c.paulve.free.fr/contenu/leforopeno/paulamar.htm


El teólogo anarquitecto


Richard Greaves cursó estudios de Teología, trabajó como diseñador gráfico y en la industria hostelera durante varios años, hasta que empezó a hacer realidad los siguientes proyectos:















+ fotos:

http://bugnag.com/2007/02/21/richard-greaves-anarchitecture/

Un artículo:

http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=9C06E0DE1431F930A35750C0A9609C8B63

Otros cuantos links:

Fundación suiza de Art Brut:
http://www.artbrut.ch/
http://www.artbrut.ch/index419f.html?Show=Oeuvres&ArtisteID=22

Art Brut Education Kit:

http://www.artbrutedu.exhibit905.info/

Blog sobre Art-brut:

http://animulavagula.hautetfort.com/


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Jean Dubuffet eta Art Brut

En Francais / En Español

Asmaturiko hitzak dioen bezala, sasimusika ez da benetako musika. Pseudomusika, musika faltsua baizik. Ez da hizki larriz idatzitako Musikaren aldean leihatzeko pentsatua, baizik eta soinu sorkuntzaren atsegin hutsa bilatzeko. Arte plastikoen munduan aspalditik aldarrikatu izan dira antzerako ideiak:

XX. mendearen bigarren zatiko frantziar margolari eta eskultore garrantzitsuenetarikoa izan zen Jean Dubuffet. 1942 eta 1985 artean milaka margolan, marrazki eta eskulturez osaturiko obra emankorra garatu zuen. Hainbat periodo eta estilo ezberdin landu zituen; hala nola abstrakzio materikoa, haurren marrazkigintza edo eta mota guztietako collage-ak.

Gaixo mentalen, presoen eta haurren irudi sorkuntzarekiko lilurak bere lana intelektualkeri eta kode burgesengandik aldentzea ekarri zuen. Gogoeta eta idazlanetan maiz aldarrikatu izan zuen arte primitibo, herrikoi, amateur nola infantila.


Igandetako margolari bat naiz, eta asteko egun guztiak igande dira niretzat.


Dubuffet Art Brut (Ousider Art) delako mugimenduaren asmatzaile nagusia izan zen. Kultura artistikoaz eta adosturiko norma estetikoez gaindi diharduten ez profesionalek sorturiko lanak biltzen dituen izendapena da Art Brut-a.

Ñabardurak ñabardura, Naïf Arteak eta Arte Herrikoiak zenbait elementu amankomun dituzte.

Bidasoaldeko Ekerot Trio-k artistaren musikari buruzko testu bat itzuli du:

Ekerot Trio -
Danok gara Jean Dubuffet

Hain zuzen ere, musikaren munduak ere erakarri egin zuen Dubuffet. Hona hemen bere zenbait saiakeratxo:

http://www.ubu.com/sound/dubuffet.html

Aipuak:


Artea gure gogora zuzendurik dago, eta ez begietara. Herri primitiboek beti horrela ulertu izan dute, eta ez daude oker. Artea hizkuntza da, ezagutza instrumentua, komunikabidea...


Itsasoak hondar gainean idatzitakoa ezabatzeak ez nau atsekabetzen. Itsasaldia jeisterakoan berriz hasiko naiz.


Lokatza, zaborra eta zikinkeriak gizaki ororen bizikideak izanik, ez al lirateke preziatuagoak izan behar eta ez al dut mesederik egiten haien edertasunaz ohartarazten?


Artea aberrazioen departamentu bat da.

Obra:

Dubuffet Fundazioaren katalogo laburtua:
http://www.dubuffetfondation.com/oeuvre_set_ang.htm













Art Brut adibideak:

Postari arkitektua


XIX. mendeko Ferdinand Cheval postari frantsesa Art Brut-aren erakusgarritzat hartzen dute arte adituek:




Taxi-gidari maskorzalea


Paul Amar taxi-gidariak itsas-maskorrak erabiliz osatu zuen bere obraren zati handi bat:



























Bere lanen erakusketa bat:
http://c.paulve.free.fr/contenu/leforopeno/paulamar.htm


Teologo anarkitektua


Richard Greaves-ek Teologia ikasi, diseinu grafikoan aritu eta ostalaritzan lan egiten eman zituen hainbat urte, ondorengo burutapenak egia bihurtzen hasi arte:















Argazki +:

http://bugnag.com/2007/02/21/richard-greaves-anarchitecture/

Artikulu bat:

http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=9C06E0DE1431F930A35750C0A9609C8B63

Beste zenbait esteka:

Art Brut-aren Fundazio suitzarra
http://www.artbrut.ch/
http://www.artbrut.ch/index419f.html?Show=Oeuvres&ArtisteID=22

Art Brut Education Kit:

http://www.artbrutedu.exhibit905.info/

Art-brut-ari buruzko Blog bat:

http://animulavagula.hautetfort.com/


Monday, February 25, 2008

Ornette Coleman eta Harmolodia

En Francais / En Español

Sasimusika, egiazko musika ez den heinean, arau melodiko, harmoniko edo ritmikorik gabe uler liteke, horrela nahi izanez gero. Jada 50. hamarkadan Jazz-aren munduan iraultza horixe ekarri zuen Free Jazz-ak.

Jazz-a betidanik inprobisaketarekin loturiko musikatzat hartu izan da. Hala ere, musika inprobisaketa gizadiaren lehen hotsekin batera eman zen, lehen konposaketak baina lehenago. Haitzuloetako gure ahaideek lehen hezurrezko txirulari putz egin ziotenean, espero gabeko soinu baten zirrara sumatuko zuten. Aurretiaz prestatu gabeko doinuen zirrara.

Analogia linguistiko bat eginez, inprobisaketa hizketaldi bat da, testu bat ozen irakurtzearen aurkakoa. Zenbait Jazz musikarik inprobisaketa konposaketa azkartu hutsa dela diote, edo eta beste modu batera esanik, konposaketa inprobisaketa moteldu bat. Bat-batean egindakoa aurkeztu ala denboraren laguntzaz birfinduriko emaitza eman. Hor dago koxka.

Bat-batekotasuna ez da oso preziatua programaturiko mundu honetan, bigarren mailako azpiproduktua baita. Gure artean arrakastatsua izan den diziplina bakanetarikoa Bertsolaritza dugu. Musika instrumentuen munduan berriz, Jazz-a nabarmentzen da. Adibide asko gehiagorik aurkitzea ez da erraza. Artisautzak bezala, ekoizpen aldakorrak eta errepikaezinak aireratzen ditu musika inprobisatuak. Eta tamalez, artisautza krisi larrian dugu aspalditik.

Amerikarrek Hiroshima bonbardatzen zuten bitartean, Charlie Parker eta enparauek erabakigarria izango zen norabide aldaketa bat eman zioten Louis Armstrong-ek ekindako bide arriskutsuari. Arte modernoaren eremuetara zuzendu zuten begirada. II. Mundu Gerra bukatu zenetik hona, herri kultura eta industriaren etengabeko bategite prozesuan, Jazz-ak unibertso paralelo batean garatuz biziraun du. 50. hamarkadaren bukaerak eta 60.-aren hasierak izan ziren emankorrenak. Miles Davis, John Coltrane eta Ornette Coleman nabarmentzen dira, besteak beste, eragin handieneko erreferentzia bezala. Azkeneko saxojole handi hau izan zen Free Jazz-aren lehenengo bultzatzailea. Hona hemen telebista programa bateko emanaldi txiki eta bitxi batean:



Bere karreraren hastapenetan, Coleman-ek "The Shape of Jazz To Come" -Etortzear dagoen Jazz-aren itxura- albuma argitaratu zuen. Gazte harrokeriatzat ikusia izan liteke hura dena, baina izenburua profetikoa gertatu zen azkenean. Coleman bera da Harmolodia musika kontzeptuaren sortzailea. Harmolodiaren aberastasuna musikarien arteko interakzio berezian datza. Ohiko harmonia, egituren eta metrika zurrunen betebeharrengandik ihes eginez, musikari harmolodikoek batera inprobisatzen dute; taldekideen bilakaera, norabide eta beharrei beti adi egonez. Prozesu honetan harmonia melodia transformatzen da, eta aldi berean melodia harmonia. Ornette-k soinuaren kasta sistema ezabatzea bezala ulertzen du. Maila zabalago batean, harmolodia zeure burua nahi bezala izateko askatasuna da, besteei entzunez eta besteekin elkarlanean zeure harmonia propioa garatuz.

http://www.ornettecoleman.com/then.html

Honek denak oso konplikatua dirudien arren, berez ez da hainbesterako, Ornette bera ez baita sekula Harmolodiaren behin-betiko formulazioa aurkezten ausartu. Zurrumurru batzuen arabera, 70. hamarkadatik darama The Harmolodic Theory argitaratu nahiean, baina arrazoi ezezagunak direla medio bere horretan dirau asmoak. Zenbaiten esanetan, Ornette-k bere musika betirako sailkatu nahi duten intelektualoidei egin dien adar jotze huts bat besterik ez omen da.

http://forums.allaboutjazz.com/showthread.php?t=12600

Praktikan, ondorengo artikuluak dioen bezala, Teoria Harmolodikoak Hitchcock-en pelikuletako MacGuffin-aren antzera jokatzen du: Zertan datzan ulertuz gero, hainbat hobe zuretzat; baina bestela bost axola, bere musika gozatzeko oztoporik ez duzulako aurkituko. Hau dena zarata hutsa besterik ez dela iruditzen ez bazaizu behintzat, argi dago gero.

http://www.theatlantic.com/doc/198509/ornette-coleman/1
http://www.theatlantic.com/doc/198509/ornette-coleman/2


Amaitzeko, El País egunkariak larunbatero argitaratzen duen Babelia gehigarrian agerturiko elkarrizketa baten azken pasartea:

P. Ahora la profesión en pleno hace cola ante su puerta para tocar con usted, pero no todo el mundo está capacitado para interpretar su música.

R. Todo depende de cuan libre quiera ser. Si es capaz de deshacerse de sus miedos, trabajar en lo que cree y desarrollar sus propias ideas, venga a verme: a lo mejor soy yo el que quiero tocar con usted.

http://www.elpais.com/articulo/semana/musica/unico/arte/verdaderamente/democratico/elpepuculbab/20070707elpbabese_1/Tes


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Saturday, February 2, 2008

Saratxaga versus Saratxaga

Sasimusika ez da Jazza, hori nahikeria handia litzateke. Hala eta guztiz ere, musika inprobisatu ororentzat kasu eredugarria da Jazza. Ondorengo pertsonaiak inprobisaketa organizazioek aldaketei sormenez eta malgutasunez erantzuteko baliabide bezala aldarrikatzen du.

Saratxaga dute abizena ondorengo bi pertsona hauek, baina ezkerreko hau Koldo dugu, eta eskuinekoa berriz Inma. Deitura beraren atzean talde-lana eta musika ulertzeko ikuspuntu desberdin samarrak ezkutatzen dira.







Inma Shara (Inmaculada Sarachaga - Amurrio, 1972) munduan orkestra sinfoniko baten zuzendari diren 6 emakumeetariko bat da. Zubin Metha maisuarekin lan egin izan du eta bere amets gorena Israelgo Orkestra Sinfonikoarekin itzuli bat egitea litzateke, "Musika egiteko makina baita".

Post honen protagonista Koldo da ordea eta ez litzateke zihurrenik bere lankideak makina batekin alderatzera ausartuko sekula. Irizar kooperatiba hondamenditik ateratzearen erantzule nagusia izan zen 1991. urtean. Komunikazioa, askatasuna eta erantzukizuna oinarritzat dauzkan proiektu partekatu batean datza bere antolaketa eredua. Organizazio sentibera bezalako kontzeptuaren defendatzaile sutsua delarik, musika taldeekin alderaketa bat egiten du bere ideiak azaltzerakoan. 2005. urtean plazaratu zuen liburuari ¿Sinfonía o Jazz? galdera jarri zion izenburu bezala. Hona hemen aipu bat (85, 86 eta 87 orrialdeak):

Hemos escuchado con frecuencia que “dirigir una empresa es semejante a la función que desarrolla un director de una orquesta”, pues el director y los músicos deben estar muy compenetrados, todos lo músicos deben responder a sus indicaciones, sin vacilación, para lograr la máxima coordinación. Nunca lo he entendido, me preguntaba: ¿y si falla el director de la orquesta? Los demás no piensan, los demás le siguen y le obedecen. Por otro lado, siempre tocan la misma partitura. La repiten y repiten en los ensayos hasta que todo resulta como el director pretende. Pero siempre interpretan lo mismo. El director le imprime sus matices, les da su toque personal, muy relevante, sobre una partitura creada por un genio. Pero, ¿hasta qué punto hay innovación permanente si en las empresas funcionamos de manera similar?

Me acuerdo que el primer disco que me compré, a mis dieciocho o diecinueve años, fue un disco de Jazz, aunque en mi casa no teníamos tocadiscos. Más adelante se lo regalé a mi novia, porque ella sí que lo tenía. Recuerdo que me fui al rastro de Bilbao, y allí lo compré. Lo mío es el jazz, no es la orquesta sinfónica, desde el punto de vista del modelo empresarial. En el jazz prima la improvisación, hay iniciativa, hay ritmo, y al final se logra un resultado armónico. Se percibe la creatividad, incluso cada músico toca más de un instrumento; están permanentemente creando y, sin embargo, nadie les dirige, es un equipo que innova, en tanto que la orquesta clásica repite o interpreta una partitura que no es suya”. No hay creatividad libre de cada participante de la orquesta, o por lo menos no es comparable. Para las empresas no es la orquesta sinfónica la que nos debe servir de ejemplo, sino una banda de Jazz. Es mi impresión.

El que interpreta la partitura tiene el guión, el mismo instrumento y un director que le marca la pauta. Le queda su mayor o menor habilidad y sensibilidad pero no puede tomarse libertades. El director elige a los mejores expertos y de esta forma se puede formar una gran orquesta. Pero una vez en escena, no es el momento para la improvisación y sí para la mejor interpretación, de que cada uno desarrolle su papel tal como lo ha ensayado una y otra vez. Pero es que, además, el público no puede entrar en el auditorio una vez que se ha iniciado el concierto, no puedes toser, ni puedes moverte, todo está absolutamente previsto, milimétricamente concebido.

No logro encontrar la creatividad en ello. Como alguna de las notas sea discordante, se rompe con el todo. Pero en el Jazz la situación no es idéntica, si ocurre algo que no estaba previsto seguro que sabrían recomponerlo, saldrían airosos, incluso crearían algo nuevo, crear por el cambio, con el cambio a partir del cambio.

Y esto se asemeja más a la vida real, a la de las organizaciones de los proyectos empresariales cada día más y más competitivos, y por tanto más necesitados de improvisación.

La música clásica es algo extraordinario, disfruto con ella, pero no creo que sea el ejemplo más adecuado para compararla con la creatividad pretendida por la empresa moderna. El ejemplo del Jazz me parece más correcto.

Zenbait artikulu interesgarri:

La empresa es una dictadura ( El País )

En Euskadi sobran ingenieros y faltan líderes (El Correo)

Con la música a otra parte (El Diario Vasco)


Azkenik, inprobisaketa eta sormenarekin lotura handirik ez duen arren, Galdakaoarraren hitzaldi luze eta mamitsu bat. Eustat-ek 2006an antolaturiko udako ikastaro batean egindako ia 3 ordu luzeko bakarrizketa antologikoa.


1. zatia:



2. zatia: